Los “Komiks” Filipinos.

Cuando Toutain Editor empezó a publicar revistas de cómics a partir de 1973, con material de Warren Publishing, quién publicaba sus revistas desde 1957

Empezamos a tener conocimiento de artistas españoles que trabajaban para Warren gracias a que en 1970 Jim Warren se entrevistó con Josep Toutain, fruto de aquella entrevista tres años más tarde, como decía, tomamos conocimiento de grandes dibujantes españoles que hasta la fecha trabajaban para Inglaterra de mano de la agencia Selecciones Ilustradas de J Toutain, conocimos a grandes dibujantes españoles y también grandes americanos…

…pero había unos dibujantes que a mí me llamaron poderosamente la atención, unos artistas increíbles que parecían tener una formación académica muy buena, los filipinos.

Al principio pensé que se trataba de dibujantes españoles, o talvez argentinos, pues así sonaban sus nombres: Tony De Zúñiga, Fred Carrillo, Néstor Redondo, Alfredo Alcalá,

Alex Niño y un largo etc.

Estos dibujantes filipinos poseían unos conocimientos de anatomía apabullantes, dibujando cuerpos, manos y caras con escorzos casi imposibles, su dominio del dibujo rayaba lo increíble y su manera de entintar era y es la mejor que se pueda ver en la historia de los cómics, tal es así que los dibujantes filipinos eran muy buscados para entintar los cómics de artistas americanos, al punto de que por ejemplo los mejores “Conan” no se consideran los dibujados por el famoso John Buscema, sino más bien los dibujados por Buscema y entintados por Tony De Zúñiga y Alfredo Alcalá.

Este hecho de utilizar a los dibujantes filipinos como entintadores embelleció mucho a los cómics americanos, pero yo pienso que fue un desaprovechamiento de unos artistas con un talento en algunos casos, bueno, en muchos casos superior al de los americanos.

Francisco V. Coching, fue no el primero, pero sí el artífice de la manera de dibujar que caracterizaba a los artistas de los Komiks filipinos, los cuales como veremos alcanzan una calidad increíble, por ejemplo los dibujos de Néstor Redondo son mejores en cuanto a anatomía, movimiento y belleza de lo que pudieron ser los dibujos de Raymond o Foster, pese a quién pese, como podremos observar en los dibujos que vamos a ver a continuación.

Por cuestión de espacio no están todos los que son, pero son todos los que están.

Kraustex.

Francisco V Coching

Romy Santos

Federico C Javinal

Danny Bulanadi

Nes Gelito

Jess Jodloman

Vicatan

Sonny Trinidad

Noly Panaligan

Rudy Florese

Jun Lofamia

Floro Dery

Francisco Reyes

Steve Gan

Art Geroche

Nestor Redondo

Rudy Nebres

Tony De Zuñiga

Alfredo P Alcalá

Abel Laxamana

Alex Niño

Gerry Alanguilan

El dibujante y komikero Gerry Alanguilan, hace una gran labor desde su Museo de los Komiks filipinos, aquí tenemos el enlace:

http://www.alanguilan.com/museum/artists.html

Asunción Bosch La silenciosa transgresión.

La silenciosa transgresión.

Un hombre que se ha propuesto ser artista ya

no tiene derecho a vivir como el resto de la gente.

Gustave Flaubert.

Vamos a ser generosos y consideraremos que cuando Flaubert decía hombre, incluía también a mujer, porque yo he que escribir sobre Asunción Bosch Asensi, pintora, y doblemente maestra, al tener que compatibilizar el papel de profesora en su estudio y academia con el de enseñante en el Instituto y, a la vez, ser madre de cinco hijos, es toda una hazaña que sólo una mujer inteligente y serena es capaz de llevar a buen término.

Yo tuve la suerte de estar en su estudio, preparándome para la prueba de ingreso a la antigua Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos -actual Facultad-, en el verano de 1974. Y hasta el año 1981, que aprobé las oposiciones, nunca dejé de ir a dibujar y a pintar con ella, durante los veranos de todos aquellos años, así que Asunción nunca tendría secretos para que yo, aprendiz de pintor, cada vez adquiriese más confianza y seguridad en mí mismo. Ella, que no se ocultaba de nosotros para pintar, era una pintora directa, con una metodología coherente de elaboración, en la que el dibujo era lo primero por esquemático que resultara, unas veces con el carboncillo, otras directamente con el pincel, con color diluido. Y que a continuación manchaba a la vez que entonaba para finalmente acabar la obra con pintura de empaste en las zonas de luz o donde consideraba que la composición lo necesitaba. Empastar por empastar, nunca lo haría, y seguramente yo, que he tenido momentos de apetito hacia lo matérico, también he procurado controlarme, y posiblemente el tiempo será más generoso con las obras ajustadas técnicamente que con las que aparentan, con recursos y nefastas cocinas, ser más pinturas de lo que en el fondo son.

Así, aprender con la Bosch no era cuestión sólo de destreza, sino de paciencia, y no tener miedo, en un principio, a hacerlo mal, ya que las dudas –decía ella- vienen cuando uno cree que ya sabe pintar. Sus correcciones eran sutiles, los errores siempre eran superables, por muchos que te señalara -en cuanto a penas era su frase correctora- era mínimo lo que faltaba siempre para acabar correctamente aquellos dibujos de estatua que necesitaban más disciplina que deseo. Ella sabía transmitir esa seguridad, porque ella, como mujer, sabía de miedos: era una joven en la España de los años cincuenta y ser hija y hermana de pintores, ser mujer, en definitiva, entre tanto hombre, y tener que demostrar continuamente que también era pintora, suponía estar dotada de un tesón y una disciplina admirables, para que se reconociera y considerase su trabajo. Un trabajo y una obra que ella supo demostrar hasta el punto que Genaro Lahuerta, profesor de pintura de Asunción, llegaría a comentar a su padre: “Antonio, tu hija tiene más miedo de enseñarte lo que pinta en clase a ti que a mí...” Y eso que Don Genaro era misógino, misógino... Pero Asunción, aun sabiendo que había superado el nivel que Genaro exigía, seguiría los consejos de su padre, y repetiría curso de aquella asignatura de pintura con modelo del natural, ya que una vez finalizara la carrera de Bellas Artes, sabía que para una mujer era tan impensable como imposible disponer de un o una modelo para desnudo. Si como estudiantes de Bellas Artes socialmente no estaba bien visto que ellas estuvieran pintando o dibujando a gente desnuda en una clase...

¿A los maestros se les admira porque se les quiere? Seguramente sí, porque cuando sientes a la vez que eres querido, no puedes sentir más que admiración por el que, siendo tu maestro, tiene la suficiente generosidad de mostrar su cariño hacia ti, a la vez que te enseña. Y Asunción Bosch sabía transmitir ese afecto cuando enseñaba y como profesora sólo esperaba de nosotros que fuésemos lo que realmente queríamos ser. Y cada uno de sus alumnos y alumnas, pintores, arquitectos, ingenieros... que hemos aprendido con y de ella, creo que lo hemos conseguido.

Nosotros, jóvenes, creíamos que era nuevo todo lo que descubríamos, y ella recuerdo que me decía: “Es actual todo lo que se hace en este momento, pretenda estar, sea o no, de moda; y es comercial todo lo que se vende, sea lo que sea.” Con el tiempo, estas apreciaciones tan simples como poco pretenciosas se han confirmado, y la moda ha sido lo peor que ha podido afectar al arte y a los artistas que considerábamos modernos en algún momento del último cuarto del siglo XX.

Asunción Bosch, sin activismo aparente alguno, ha sido el más puro ejemplo de mujer trabajadora, desde esa serenidad transgresora, comprometida inexcusablemente con su trabajo y con su familia.

Su pintura coincide con la de las escuelas realistas o neorrealistas que se dan a la vez en toda la Europa de después de la Segunda Guerra Mundial, donde, a pesar de todos los post-ismos, siguen existiendo pintores como Asunción Bosch, que disfrutan llevando la realidad de lo próximo al lienzo, desde esos objetos antiguos y amados de los que siempre ha estado rodeada, al reto que supone pintar flores del natural antes de que su belleza marchite, o enfrentarse al paisaje vivido y cercano, irrenunciable y distinto en cada momento de luz y en cada estación... Así, y gracias a todos estos artistas, que continúan pintando lo cercano y cotidiano, seguirá existiendo la pintura en el sentido más puro de la tradición, sin necesidad de que los exclusivamente teóricos dicten si vuelve, debe, o no, una u otra tendencia, porque tendencia no es otra cosa que propensión o inclinación en los hombres y en las cosas hacia determinados fines, y la necesidad del arte es algo inherente al ser humano y seguramente no se debiera dirigir.

Para los que hemos podido disfrutar más de cerca y posteriormente de la amistad de D.ª Asunción, -porque así la hemos querido llamar siempre- sabemos de su exquisita tolerancia y se que nos enseñaba para que aprendiéramos a decidir, y me atrevo a afirmar que si de algo se ha sentido siempre orgullosa, es de todos nosotros por haber elegido, como ella, este complicado y difícil camino del arte, ya que con nosotros, nuestra profesora, sabía que podría sentirse con el tiempo una igual. Asunción Bosch de no haberla dejado elegir, hubiera sido igualmente pintora.

Joan Millet, abril de 2009

En la Sala de Exposiciones “Espai d’Art” de Gandia

se expondrá del 8 al 31 de Mayo de 2009, una muestra del arte de

Asunción Bosch.

Asunción Bosch Asensi, Artista de quien tuve el honor de ser alumno, es una pintora de la que se puede decir que ni le sobra ni le falta nada a su pintura, realizada con esa aparente sencillez que solo los maestros saben conferir a sus obras, una pintura en la que nunca falta el buen dibujo, la perfecta armonía de color y buena composición pero sin pretenciosos y artificiales alardes pictóricos.

Asunción maneja la pintura con insólita corrección, colocando masa pictórica en los sitios oportunos del cuadro, tal como hacían los grandes maestros como Carlos de Haes, con sentido y precisión…

…una pintura sin “ismos”, sin fecha de caducidad, una obra la de Asunción Bosch de la que siempre podremos seguir aprendiendo.

Kraustex.

John William Godward 1861 – 1922.

Autorretrato.

John William Godward nació en Battersea, Londres.

Fue uno de los mejores artistas de mediados el siglo XIX y principios del XX, representante del estilo conocido como “Greco – Romano, no son pocos los que aseguran que Godward superó en calidad a Alma Tadema, por lómenos con algunas de sus obras.

Su padre, empleado en una oficina de seguros, estaba obsesionado con que sus

cinco hijos debían seguir sus pasos y continuar con una “respetable” profesión de seguros o banca…

De 1879 a 1881 John William estudió con el arquitecto y diseñador William Wonther Hoff, cuya labor continuaría William Clarke Wonther, hijo de William Wonther, y quien trabaría una gran amistad con John William Godward, aquel periodo fue sin duda la causa de la gran maestría de John William para realizar falsos mármoles y su facilidad para la perspectiva

A los 26 años de edad se independiza de sus padres y abre un estudio taller en el nº 19 Bolton studios, en Kensington, donde trabaría amistad con otros artistas que allí trabajaban, como Ryland Henry y George Bulleid Lawrence

A partir de 1889, el éxito empieza a sonreír a John William, vendiendo 25 óleos, y en 1891, 21 óleos más.

En 1983, algunas de sus obras empiezan a reproducirse como foto grabados, pues su obra empezaba a tener gran relevancia.

En 1905 viaja y expone sus obras en París, y no tardaría en hacerlo también en Italia.

Entre 1908 y 1910 la fama de John William Godward se vio consolidada y en 1912 se traslada a vivir a Roma.

"The Belvedere"

En 1913 se le concede la medalla de oro en la exposición internacional de Roma por la obra titulada "The Belvedere"

Por desgracia en 1919, murió William Rossetti, el último miembro de la confraternidad Prerrafaelista, y muchas obras victorianas se habían convertido en un tema de burla, lo cual afecto a John William Godward, de manera que cada vez le resultaba más difícil vender sus obras, lo que trajo como consecuencia una inevitable

disminución de la salud del artista, quien a causa de la desnutrición cayó enfermo de dispepsia (la misma enfermedad que tuvo Alma-Tadema)

El miércoles 13 de diciembre de 1922, John William Godward se suicidó metiendo su cabeza en un horno de gas, pues prefirió la muerte a continuar con la enfermedad y la miseria a la que le abocaba los nuevos tiempos y estilos pictóricos a cambiar de estilo y manera de pintar.

Hoy en día las obras de John William Godward están valoradas en aproximadamente seiscientos mil euros.

Dolce Far Niente

En 1995, Dolce Far Niente subastada por 567,000 dólares.

Kraustex.

Édouard Debat-Ponsan (1847-1913)

Édouard Debat-Ponsan nació el 25 de abril de 1847 en Toulouse en una familia de músicos. Inscrito en la Escuela de las Bellas Artes de Toulouse a partir de 1861, obtiene 5 años más tarde, el segundo premio de pintura.

Alumno del pintor Alexandre Cabanel, prosigue su formación en la Escuela de

Bellas artes de París.

Expone al Salón a partir de 1870.

En 1881 es nombrado Caballero de la Legión de honor, republicano veterano de la Guerra de 1870, no vacila en tomar partido por el caso Dreyfus lo que le hace perder gran parte de su clientela, así como la estima de algunos de sus amigos. (¡Menudos amigos!)

Padre del gran arquitecto y premio de Roma en 1912, Jacques Debat Ponsan, también es el abuelo de Michel Debré primer ministro del general de Gaulle y uno de los redactores de la quinta república, y abuelo de Jean Louis Debré, político, su hija Jeanne-Debat Ponsan se casó con Robert Debré fundador de la pediatría moderna en Francia.

Su pintura se hizo célebre por sus retratos de ciudadanos ricos y políticos de París, sus pinturas de historia antigua y las escenas de la vida campesina.

Pintor de historia, de escenas de género, retratista y paisajista, su región natal, dónde volvía cada verano, le gustaba apasionadamente.

Murió el 29 de enero de 1913 en París.

Antoni Durà, exposición de en la Casa de Cultura de Oliva.

La pintura de Antoni Durà no nos deja indiferentes, es una obra llena de guiños a la sociedad en que vivimos, una pintura realizada con sutil inteligencia en su temática, y con maestría técnica en sus formas y colores.

Los que tengan la suerte de asistir a la exposición que tendrá lugar en la Casa de Cultura de Oliva, desde el viernes día 3 hasta el 26 de abril, podrán disfrutar de una obra repleta de humanidad, una humanidad que se refleja hasta en el más mínimo detalle de esos objetos cotidianos que nuestro artista retrata como pocos.

Kraustex.

Antoni Durà no se centra exclusivamente en su producción como artista pintor, desde el año 1973, en el que realizó su primera exposición individual, son diversas las facetas que abarca su personalidad, tanto en el ámbito institucional como en el puramente creativo.

Ha trabajado en el campo del diseño grafico y en la creación de espacios escénicos.

Teléfono de contacto para comunicarse con Antoni Durà: 962862633

José Manuel Cajal en Londres

Aquí iremos poniendo los cuadros que José Manuel Cajal esta realizando con el tema de la ciudad de Londres, es de destacar como consigue ese ambiente gris de la capital de Inglaterra, tan distinto al color de las ciudades españolas aún en días lluviosos.

Esto me recuerda una anécdota del maestro Furió, contaba el famoso grabador y acuarelista que la primera vez que fue a Londres, con la intención de pintar el Támesis

con su típico ambiente gris neblinoso… se llevó un chasco inmenso, pues en Londres

lucía un sol cual si de Valencia se tratase…

Por suerte para Furió, al día siguiente Londres volvió a presentar su típico aspecto gris

y el maestro Furió pudo dedicarse a pintar la ciudad en su aspecto más normal.

Ambrós y Gago - Exposición homenaje a dos grandes.

La exposición se inaugurará el día 4 de Marzo a las 19'30 horas en el claustro de la biblioteca central de Gandia.

Exposición homenaje a dos grandes.

Es éste un merecidísimo homenaje a los grandes dibujantes valencianos, Ambrós y Manuel Gago, dos de los autores de historietas más importantes del país.

Las tiradas de los cuadernillos de sus personajes más importantes, “El Capitán Trueno” y “El Guerrero del Antifaz” superaban los 400.000 ejemplares semanales, algo impensable hoy día.

El autor de este homenaje se ha tomado la molestia de realizar a mano más de 40 copias

de los maestros de la historieta, con tal perfección, que resulta casi imposible distinguir estos trabajos de los originales de los autores a los que homenajea.

Este es un homenaje que cuenta con el beneplácito de los familiares de ambos dibujantes.

Es realmente una labor titánica que bien merece una visita a la exposición, me hubiese gustado dar el nombre del autor de este gran homenaje a los dibujantes Ambrós y Gago, pero no puedo, pues el autor de estos trabajos homenaje prefiere que dar en el anonimato para no robar el más mínimo protagonismo a Manuel Gago y a Miguel Ambrosio Zaragozá.

Es este pues un homenaje hecho con el corazón y sin el más mínimo animo de lucro, es más, me consta que ha supuesto un gran sacrificio del autor tanto económico como físico.

Publicamos aquí una pequeña muestra, el catálogo de la exposición.