Bellas Artes Tex

Más José Manuel Cajal

2011-08-24T09:28:00.001-07:00

Sueños Rotos

Bodegón con Boli BIC

José Manuel Cajal en Londres

2009-03-16T02:54:00.000-07:00

Aquí iremos poniendo los cuadros que José Manuel Cajal esta realizando con el tema de la ciudad de Londres, es de destacar como consigue ese ambiente gris de la capital de Inglaterra, tan distinto al color de las ciudades españolas aún en días lluviosos.

Esto me recuerda una anécdota del maestro Furió, contaba el famoso grabador y acuarelista que la primera vez que fue a Londres, con la intención de pintar el Támesis

con su típico ambiente gris neblinoso… se llevó un chasco inmenso, pues en Londres

lucía un sol cual si de Valencia se tratase…

Por suerte para Furió, al día siguiente Londres volvió a presentar su típico aspecto gris

y el maestro Furió pudo dedicarse a pintar la ciudad en su aspecto más normal.

Oscar Edmund Berninghaus

2008-11-09T08:25:00.001-08:00

Oscar Edmund Berninghaus nació en St. Louis, Missouri en 1874.

Su familia se dedicaba al negocio de la litografía, lo que fue el detonante

a través del cuál Oscar desarrollaría su amor por el arte.

Asistió a las clases nocturnas de la escuela de bellas artes de St. Louis, y por el día trabajaba en la imprenta de su padre.

En 1898 funda junto con otros seis artistas de gran talento (Bert Geer Phillips, Ernest L Blumenschein, Josep Henry Sharp, E Irving Couse, W. Herbert Dunton y el mismo O. E. Berninghaus) la “sociedad de artistas del Taos”, más tarde se irían añadiendo más artistas de prestigio como Julius Rolshowen, Walter Ufer, William Higgings, B. J. O. Nordfeld y otros, todos ellos merecedores de aparecer en este blog, como así espero que suceda con el tiempo.

Oscar Edmund Berninghaus gozó de la amistad de los indios del Taos, lo que le permitió el libre acceso sobre todo el territorio y poder pintar a los indios en su entorno natural, no solo en sus quehaceres diarios, sino también en sus rituales más íntimos.

Vivió durante más de 27 años en Taos, y al final de su carrera era capaz de pintar de memoria los paisajes y las personas de la zona, incluso a los que llevaban años muertos.

Su pintura era realista en la temática e impresionista en el tratamiento del color.

Su obra se encuentra en más de treinta museos del mundo y ha sobrepasado los 690.000 dólares en recientes subastas de arte.

Falleció de un ataque al corazón el 27 de abril de 1952

Kraustex.

Carl Spitzweg

2008-08-10T08:36:00.000-07:00

Carl Spitzweg o karl Spitzweg.

Carl Spitzweg pintor e ilustrador alemán, nacido en Unterpfaffenhofen, Bavaria, el 5 de febrero de 1808.

Estudió humanística en el Humanistischen Gymnasium hasta 1825, tras lo cual realizó los estudios de farmacia en la universidad de Munich, graduándose con distinción en 1832.

En Munich conoció y mantuvo una gran amistad con artistas como Christian Morgenstern, Eduard Schleich el Viejo, Dietrich Langko, y Friedrich Volts.

En 1835, fue nombrado miembro de la Asociación de Arte de Munich y en 1837 vendió su primer cuadro.

Carl Spitzweg, es el más destacado pintor perteneciente al romanticismo *Biedermeier.

De profesión farmacéutico, Spitzweg se dedicó a la pintura como aficionado, copiando a los maestros holandeses del siglo XVII, (de indudable influencia en su obra) al mismo tiempo, realizaba ilustraciones y caricaturas para diversas publicaciones como la revista humorística Fliegende Blatter.

Tras una larga enfermedad, Spitzweg decidió dedicarse profesionalmente a la pintura, compaginando sus ilustraciones y grabados con cuadros de pequeño formato en los que

se reflejaba la vida cotidiana de la pequeña burguesía de Munich, retratando a las personas con gran sentido del humor y agudeza psicológica.

En 1851, Carl Spitzweg viajó a París y Londres junto a otros artistas muniqueses.

En estos viajes la obra de Constable y William Turner así como la de Díaz de la Peña, la escuela de Barbizón y Delacroix, fueron para nuestro artista una gran fuente de inspiración e influencias.

A partir de 1860 su fama fue en ascenso, y en 1865 recibe la Real Orden del Merito de San Miguel de Baviera y en 1868 es elegido miembro honorario de la Academia de Artes Visuales de Munich, pese a ser autodidacta y no haber pisado nunca una academia de arte.

Carl Spitzweg es aún recordado como uno de los artistas más importantes de Alemania, su pintura considerada también como antecesora del impresionismo, es admirada tanto

por su técnica como por la cotidianidad humana y la psicología con la que están plasmadas las imágenes.

Falleció el 23 de septiembre de 1885, en Munich.

Kraustex.

*El término "Biedermeier", se origina en el apellido de un ficticio personaje de los diarios satíricos de la época, un tradicional profesor escolástico de Suabia. Se trataba de un representante de la clase media, la burguesía alemana, que es el típico público destinatario de este estilo que ofrezca una interpretación doméstica del estilo imperial.

Los motivos no solo eran accesibles sino que en oportunidad banales. Se retrata una sociedad complaciente, sin grandes sueños, con horizontes concretos y limitados. Pero prevalece el sentido de lo nacional pertinente, no obstante, a los tiempos del romanticismo. Aunque por cierto, éste no se expresa de manera heroica o individual sino como algo que pertenece a la comunidad

Marie Rosalie Bonheur.

2008-07-12T13:08:00.000-07:00

Rosa Bonheur por Anna Elizabeth Klumpke.

Rosa Bonheur, nace en Burdeos (Francia) en el año 1822.

Hija de familia de artistas, su madre era pianista y su padre pintor de paisaje y retrato, así como sus dos hermanos, uno escultor y el otro pintor más su hermana que era pintora.

Aprendió el oficio de pintora de la mano de su padre, el pintor paisajista Raymond Bonheur, el cual tenía una academia de pintura de la que se hizo cargo Rosa tras el fallecimiento de su padre.

Expone en el Salón de París y en 1845 consigue medalla de bronce, y en 1848 la medalla de oro, a estos premios les sucedieron muchos otros a lo largo de su carrera.

La temática de la obra de Bonheur se basaba prácticamente en su totalidad en la pintura de animales, tanto de granja, domésticos o de animales salvajes.

Una anécdota muy curiosa es el hecho de que obtuviera un permiso especial del gobierno francés para vestir como los hombres, y de esa manera poder asistir a las ferias de animales para poder realizar su trabajo.

Rosa Bonheur, fue la primera mujer a la que se le otorgó la Gran Cruz de la Legión de Honor francesa.

Rosa Bonheur convivió durante 50 años con Nathalie micas, y el último año de su vida con la pintora Anna Elizabeth Klumpke.

Su pintura es de una gran calidad, no en vano nuestra artista estudió a los animales en profundidad, asistiendo incluso a mataderos para estudiar la anatomía animal hasta el último detalle.

Murió a los 77 años de edad en Thomery (Francia) en 1899.

Goya y los "Expertos"

2008-06-26T10:22:00.000-07:00

Extraído de Levante-EMV.com » Cultura

Arte

Expertos apuntan a que ´El Coloso´ de Goya lo pintó el valenciano Asensio Juliá

Asensio Juliá por Goya (supongo)

Los expertos del Museo del Prado consideran que "El Coloso" no fue pintado por Francisco de Goya, aunque la pinacoteca esperará a que concluyan las investigaciones en curso para descartar "taxativamente" la autoría de esta obra, tradicionalmente atribuida al maestro aragonés.

EFE La jefe de conservación de pintura del siglo XVIII y experta en Goya, Manuela Mena, y el jefe de conservación de pintura del XIX, José Luis Díez, ofrecieron hoy una rueda de prensa en El Prado para explicar las últimas investigaciones realizadas sobre "El Coloso", que estos especialistas del Museo se decantan por atribuir a Asensio Juliá, discípulo de Goya. Manuela Mena afirmó que "para mí, esta obra no es de Goya", consideró que la misma desde abajo "corresponde a otra mano distinta" a la del maestro de Fuendetodos, y que la figura del gigante, "muy clasicista, no corresponde a su forma de hacer". No obstante, el director del Museo del Prado, Miguel Zugaza, no quiso descartar "taxativamente" la autoría de Goya en el cuadro, e instó a esperar a que finalicen las investigaciones de los expertos. Zugaza señaló que la pinacoteca terminará ahora el estudio iniciado y, con sus conclusiones, se cerrará "el círculo de todas las evidencias para no pensar en una obra de Goya" y se abrirá una nueva etapa de investigación que tratará de reconstruir la personalidad de Asensio Juliá, "que estuvo muy cerca de Goya pero del que apenas conocemos nada de su obra". Cuando concluyan esos estudios y se publiquen en el Boletín del Museo del Prado de 2008 (a finales de año), se informará a los visitantes de la pinacoteca de las conclusiones a las que se llegue y del nuevo estatus que adquiera el cuadro a propuesta de los conservadores del Museo. Para Manuela Mena, "El Coloso" se corresponde con lo que en pintura se denomina "pastiche", y está realizado "con diferentes piezas combinadas de otra forma". De esa forma -dijo- la imagen del gigante sentado en "El Coloso" de Goya es "transformada y alterada", y las pequeñas figuritas que corren bajo el gigante - asnos, caballos y toros -aunque son de la iconografía habitual del pintor aragonés "están mezcladas de otra manera" y están inconclusas, algo "totalmente impensable" en Goya, un artista extremadamente perfeccionista. En su opinión, "El Coloso" no es una obra que encaje "con la técnica, la forma de pintar, la simbología, la metáfora y la poesía de Goya", es una obra "diferente" que se aleja -dijo- de la obsesión del maestro por pintar con rasgos perfectamente definidos la realidad y la naturaleza que le rodeaba. Una parte fundamental de las investigaciones realizadas por el Prado para descartar la autoría del pintor de Fuendetodos sobre el cuadro es la realizada por el jefe de conservación de Pintura del XIX, José Luis Díez, quien adivinó en el margen inferior izquierdo de la pintura las iniciales "AJ", que se podrían corresponder con las de Asensio Juliá, aunque en algunos cuadros documentados como suyos firma con el apellido completo. Añade que actualmente "conocemos muy bien a Goya" pero no tenemos "prácticamente ningún conocimiento" de los "goyescos", coetáneos del maestro que, influenciados por su obra, se vieron tentados a imitar su pintura a lo largo de todo el siglo XIX, y aseguró que en estos estudios "llevamos 61 años de retraso". Profundizar en esos artistas que siguieron la estela del pintor aragonés, señaló Díez, ayudaría a separar "lo que es Goya de lo que no es", y precisó que en el caso concreto de Asensio Juliá incluso se desconoce su fecha de nacimiento, aunque sí se sabe que estuvo cerca de él toda su vida y que murió cuatro años después. No obstante, el director adjunto de Conservación del Prado, Gabriele Finaldi, aseguró que "El Coloso" permanecerá en el Museo porque el público "lo quiere ver", y reiteró que cuando concluyan los estudios aclararán "el estatus del cuadro". Manuela Mena rechazó que el autor del cuadro hiciese "una chapuza", aseguró que el cuadro es "muy fotogénico" aunque presenta "incoherencias lumínicas" y un paisaje "llano y algo sucio" no es propio del realismo de Goya, y se mostró convencida de que el mismo, con ese tipo de trazos, "son un eslabón perdido en nuestra pintura del XIX" que merece una investigación posterior.

Veamos...

Manuela Mena afirmó que "para mí, esta obra no es de Goya", consideró que la misma desde abajo "corresponde a otra mano distinta" a la del maestro de Fuendetodos, y que la figura del gigante, "muy clasicista, no corresponde a su forma de hacer".

Esto que aquí dice Manuela Mena, es incorrecto a mí modo de ver.

El gigante, no esta trabajado “muy clasicista”ni de lejos, todo lo contrario.

Mas adelante dice la noticia:

Manuela Mena rechazó que el autor del cuadro hiciese "una chapuza", aseguró que el cuadro es "muy fotogénico"

Muy fotogénico, claro… típico de Goya y los “Goyescos ” hacer cuadros fotogénicos…

Continúa la señora Mena:

aunque presenta "incoherencias lumínicas" y un paisaje "llano y algo sucio" no es propio del realismo de Goya, y se mostró convencida de que el mismo, con ese tipo de trazos, "son un eslabón perdido en nuestra pintura del XIX"

Esto último es fácil decirlo, después de haber visto las iniciales “A.J” en una esquina del cuadro, es decir, las iniciales de Asensio Juliá.

Estoy totalmente convencido de que si en esa esquina pusiera “Goya” esta señora jamás hubiese dicho esas palabras, de echo no las dijo hasta estar convencida de que no es un Goya, de hecho miren ustedes las maravillas que se dicen de esta pintura en todos los libros de Goya en el que aparece el coloso.

¿Qué hacemos ahora, tachamos esos textos de los libros con tipex y ponemos aquello de:

incoherencias: lumínicas" y un paisaje "llano y algo sucio" o eso de:

la figura del gigante, es muy clasicista.?

Una cosa sacamos en claro de este asunto, una vez más la misma historia,

si es de Goya es un cuadro genial(así se ha dicho durante años y años)

pero si se descubre que no es de Goya, entonces ese cuadro ya no es una obra maestra, ya no es genial…

Una vez más, la pregunta es…

En el caso de no ser de Goya ¿Ya no es la obra de un genio? ¿Retirarán lo dicho sobre este cuadro en cientos de libros, o reconocerán a Asensio Juliá como a un genio de la pintura y le harán justicia?

Pueden pasar varias cosas, 1º que mantengan que es de Goya pese a las dudas.

2º si se reconoce que no es de Goya, ese cuadro ya no será considerado una gran

obra maestra, demostrando una vez más la poca fiabilidad de “la Historia del Arte”

como suele ser habitual, se olvidará el caso y mandaran a “A Juliá” de nuevo al olvido.

He estado mirando un poco por casa, a ver que hay del tema…

…este texto que vemos arriba de estas líneas, es la página 182

de la enciclopedia de arte editada por planeta “Obras maestras de la

pintura” en su tomo nº 7, dedicado al Museo del Prado.

En el subrayado se puede leer:

la evolución técnica del artista hacia un procedimiento de extraordinaria libertad…

Pregunta… ¿de saber que no es un Goya, se hubiesen escrito estas palabras?

Respuesta: no, pá qué! bueno, es broma, pero lo cierto es que ahora ya no

parece un cuadro tan bueno, esta claro que se juzga más por la firma que

por el trabajo.

Y lo cierto es que se podría decir aquello de la evolución técnica del artista hacia un procedimiento de extraordinaria libertad… aun sabiendo que el autor es A Juliá

y no Goya.

Vamos a ver… ¿todo lo pintado en los frescos de San Antonio de la Florida es de Goya? todo el mundo sabe que Juliá le ayudó, Goya retrató al artista valenciano tres veces, eso indica que pese a tratarse de un alumno, Goya sentía un gran respeto por Asensio Juliá.

Yo apostaría a que muchas de esas geniales obras atribuidas a Goya son en realidad

de Asensio Juliá, hay muchos Goyas por el mundo y muy pocos cuadros de Asensio Juliá…sospechoso...

Bueno sigamos, que he encontrado otras cositas interesantes en mi biblioteca…

ABC de las artes

Bien, bien…

Esta obra no es de Goya…

…pero en el libro “Goya” de la editorial Debate/Itaca, página 71, se dice:

Goya sacaba partido de estos surcos y siempre hacía salir de ellos algo original e inesperado.

Ahora que sabemos que no es Goya, una vez más nos preguntamos: ¿Se hubiese escrito esto de saber que no es un Goya? ¿El autor del escrito hubiese visto ese “algo original e inesperado”si el trabajo fuese de Asensio Juliá, y el autor de estas letras lo supiese?

Otra vez la misma respuesta:

NO.

Este es uno de los cuadros que ya no son de Goya, abajo podemos ver lo que ponía en un libro sobre el Museo del Prado en el apartado Goya.

Podemos leer:

En él expreso Goya de manera personalísima y sorprendente…

Y tan “personalísima y sorprendente”, como que no lo pintó Goya.

Una vez más coge fuerza mi teoría de que los genios no son todos los que están y no están todos los que son, que grandes pintores son muchos, pero pocos los elegidos para la gloria, de esa manera y solo de esa, el arte puede ser negocio para unos pocos (bastantes) interesados en que así sea.

Kraustex.

Francisco Pradilla Ortiz

2008-06-17T09:41:00.000-07:00

Autorretrato

En este autorretrato podemos observar la anotación

“colores Mussini” Pradilla era muy exigente con

el material, y con este cuadro probó por primera vez

los óleos Mussini .

Dibujos

Acuarelas

Francisco Pradilla Ortiz, nació el 24 de julio de 1848 en Villanueva de Gallego, Zaragoza.

Su familia se traslada a vivir a Zaragoza donde el joven Francisco Pradilla se dedicará a pintar puertas y balcones para subsistir, ya que

sus padres eran personas de poco dinero.

En 1861 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Luis, allí realizará sus primeros estudios de arte al tiempo que trabaja para el taller de un escenográfo.

En 1867 marcha a Madrid donde sigue como aprendiz en otro taller de escenografía.

Trabajador incansable, Francisco Pradilla ocupa sus horas libres estudiando en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, y asiste a las clases nocturnas de la asociación de acuarelistas, materia esta, la acuarela, que Pradilla dominaría a la perfección, sabido es que además

Francisco Pradilla usaba unas acuarelas de su propia invención, de una calidad muy superior a cualquiera que se pudiese encontrar en el mercado, siendo unas acuarelas que funcionaban igual de bien tanto en papel como sobre lienzo.

Bueno, mientras nuestro artista trabajaba de escenográfo, estudiaba en San Fernando y la asociación de acuarelistas, realizaba también trabajos de ilustración para algunos periódicos de la capital, un fiera del trabajo nuestro Francisco, toda una lección de esfuerzo para los jóvenes de hoy.

En 1867 traba amistad con el gran Mariano Fortuny el cual le alienta a ir a Roma.

De 1871 a 1873 viaja por Galicia con Ramón Guerrero (su profesor) pintando temas costumbristas.

En 1874 Francisco Pradilla se traslada a vivir a Roma gracias a una beca que obtiene sin esfuerzo gracias a la calidad de sus trabajos.

En Roma Pradilla copia los frescos de Miguel Ángel y Rafael como primeros trabajos de becado, seguiría “el naufragio” y por fin “Doña Juana la Loca” cuadro este último que le valdría las mejores críticas por parte del público y la crítica, y lo más importante, grandes elogios por parte de artistas como Domenico Morelli y Charles Müller.

En 1878 ya en España, Francisco Pradilla consigue la primera medalla de honor en la nacional de Madrid y en la universal de París, ese mismo año contrajo matrimonio con Dolores González Del Villar, con quien tendría cinco hijos, entre ellos Miguel y Cesar Pradilla González serán alumnos suyos.

En 1882 repite medalla esta vez en la Universal de Viena.

En 1879 expone en la Sala Pares de Barcelona su obra “el rastro de Madrid”.

Ese mismo año, 1879, Francisco se encuentra de nuevo en Roma, allí

realiza numerosas acuarelas con gran éxito.

En 1880 se le nombra académico correspondiente de la de San Fernando en Roma.

En 1881 es nombrado director de la Academia de Bellas Artes en Roma, sustituyendo a otro gran artista, José Casado del Alisal y en1882 dimite de su cargo, siendo sustituido por otro afamado artista, Vicente Palmaroli.

Es en ese mismo año cuando Pradilla pinta “la rendición de Granada”

obra con la que consiguió la gran cruz de Isabel la Católica en la Nacional de Madrid.

En 1883 regresa a Madrid, donde realizará numerosos trabajos con el éxito al que ya esta acostumbrado.

En 1884 abre su estudio de pintura en Via Sixtina, allí se presentará Joaquín Sorolla quien será acogido con los brazos abiertos por Pradilla.

Otros valencianos que gozaron de la amistad de Francisco Pradilla fueron los hermanos Benlliure, con los que Pradilla solía pasar los veranos en Asís, donde Pradilla pintará sus famosos cuadros dedicados a las lagunas pontinas.

En 1892 se le otorga la medalla de honor en la Universal de Berlín y es

nombrado miembro honorario de la Academia de Munich.

En 1896 traslada su residencia definitiva a Madrid, pero si dejar de hacer numerosos viajes a Roma, donde su obra se vende muy bien, sin dejar sin embargo de exponer en países como Alemania, Argentina, Francia o Estados Unidos.

Es de destacar también su pertenencia a la Academia de Bellas Artes de París, donde será nombrado Caballero de la Legión de Honor, y a la Hispanic Society de Nueva York .

En 1896 se le considera el mejor pintor de su generación y en consecuencia es nombrado director del Museo del Prado.

El 1 de noviembre de 1921 fallece en Madrid a los 73 años de edad.

Kraustex.

Pintores andaluces del S XIX.

2008-06-06T09:32:00.000-07:00

Gustavo Bacarisas - Sevilla 1873-1971

José Morillo Ferrades, Vejer (Cadiz) 1853-1920

Emilio Sánchez Perrier, Sevilla 1855-1907

Fernando Tirado Cardona, Sevilla 1862-1907

Juan José Martínez de Espinosa, Sanlúcar de Barrameda- 1826- 1902

Horacio Lengo Martinez, Torremolinos 1838-1890

José Gartner de la Peña, Gibraltar 1866 - 1918.

Luis Ricardo Falero, Granada - 1851-1896

Félix Alarcón , Sevilla - 1840?

Pedro Sáenz Sáenz, Málaga 1863- 1927

Gabriel Morcillo Raya, Granada 1887-1973

José María López Mezquita, Granada 1883-1954

José Denis, Málaga – 1944 - 1917

JOSE LUPIAÑEZ Málaga, 1864- ?

José Cañveral y Perez Sevilla, 1833-1984

FELIPE GIL GALLANGO Sevilla, 1863- 1938

Manuel Barrón y Carrillo, Sevilla 1814- 1884

Fernando Tirado y Cardona, Sevilla 1862-1907

Angel María Cortellini y Hernández,
Sanlúcar de Barrameda, 1820-1882.

Julio Romero de Torres, Córdoba - 1880-1930

José María Domínguez Bécquer insausti , Sevilla 1810-1841

Joaquín Domínguez Bécquer, Sevilla 1817-1879

Valeriano Becquer Bastida, Sevilla - 1834- 1870

Juan Comba y García, jerez de la frontera, 1852- 1924

Antonio María Esquivel y Suárez de Urbina, Sevilla 1806- 1857

Ricardo Villegas Cordero, Sevilla - 1849-1896

Salvador Viniegra Lasso De La Vega, Cadiz - 1862-1915

José Rico Cejudo, Sevilla - 1864-1939

AntonioMª De Reyna Manescau, Corín(Malaga) - 1859- 1937

Manuel Ramírez Ibáñez , Arjona(Jaen) - 1856- 1925

José Pinelo Llull, Cadiz - 1861- 1922

Francisco Peralta del Campo, Sevilla - 1837-1897

José Moreno Carbonero, Malaga - 1860- 1942

Joaquín Luque Roselló, Malaga - 1860- 1932

José García Ramos, Sevilla - 1852- 1912

Manuel García García (El Hispaleto) , Sevilla - 1836- 1898

José Gallegos Arnosa, Jerez de la Frontera - 1859- 1917

Manuel Cabral Aguado-Beharano , Sevilla - 1827- 1891

Gonzalo Bilbao Martínez, Sevilla - 1860- 1938

German Álvarez Algeciras, Jerez de la Frontera - 1848- 1900

Luis Jimenez Aranda, Sevilla - 1845- 1928

Jose Jimenez Aranda, Sevilla - 1837 - 1903

Rafael Senet Pérez, Sevilla - 1856- 1926

Manuel Jimenez Prieto, Sevilla - 1848- 1904

Salvador Sanchez Barbudo, Jerez dela Frontera - 1857- 1917

Jose Villegas Cordero - Sevilla , 1848-1921

Jose Garcia Ramos - Sevilla , 1853 - 1912

Manuel Garcia Rodriguez - Sevilla 1863- 1925

Juan Antonio Gonzalez - Chiclana 1842 - 1914

Exposición de José Benlliure

2008-06-01T15:15:00.000-07:00

Hoy hemos ido a ver la exposición de J Benlliure, la del Greco y la de Botero en Valencia.

Bueno, el Greco tiene sus cositas, una pincelada muy especial y atrevida, aunque como dibujante dejaba bastante que desear, pero muy interesante de todas formas.

La de Botero, pues…

…un tanto aburridilla, todas las caras son iguales, sin sentimiento, repite poses, resulta estático, sin vida, y bueno, es lo mismo que ver una lámina, los originales no ganan nada por ser vistos del natural.

La de Benlliure es otra cosa, creo que es la mejor exposición que he visto en mí vida,

Al contrario que pasa con Botero, El Greco y muchos otros, la pintura de J Benlliure no se puede apreciar en todo su esplendor viendo un libro, o una imagen en Internet, es imposible apreciar el manejo de la pintura como “materia” de Benlliure si no se ve del

natural, esas pinceladas sueltas y esos empastes en su sitio, esas veladuras, la atmósfera

la expresividad en los rostros y manos que no se repite aunque en un cuadro hayan más de diez personajes y que consigue aunque la figura pintada mida dos centímetros…

…en fin, que es una exposición que hay que ver, se puede comprar el catalogo, que esta muy bien de precio y bien hecho, pero nunca se podrá apreciar la calidad de esas pinturas sino es viéndolas in situ.

No puedo hacer una crítica aquí, es esta exposición de Benlliure algo para ver, ver para creer.

Kraustex

En ninguna de estas imágenes se puede apreciar ni siquiera un 20% de lo que realmente se puede ver en el cuadro, la exposición de J Benlliure es algo que no deben perderse, pues no hay libro que le haga justicia y en los Museos hay poca cosa de este pintor, quizá el más grande que ha dado Valencia.

Mariano Barbasan

2008-05-29T08:15:00.000-07:00

Soy hijo de aquella Gloria del Arte Español que se llamó Mariano Barbasan Lagueruela, cuyas obras poco conocidas en España, enriquecen pinacotecas y museos del extranjero.

Mariano Barbasan Lucaferri.

Mariano Barbasan Lagueruela, nació en Zaragoza el 3 de febrero de 1864.

Cuando los demás niños solo pensaban en los juegos propios de su edad, Mariano solo soñaba con ser artista pintor, pero pasado el tiempo, cuando tenía la suficiente edad para estudiar, se vio forzado a ingresar en la academia militar de Segovia, sus padres

habían elegido incluso el Arma que debía seguir aquel al que, supongo que cariñosamente llamaban "pintamonas" : Artillería.

Al fallecer su padre en 1877, Mariano Barbasan abandona la carrera militar, y en 1879

se matricula en la academia de Bellas Artes de Valencia, ciudad en la que estaba destinado su hermano Casto, que era militar con grado de teniente y tutor de nuestro Mariano.

Mariano Barbasan estudiará en la academia de Valencia hasta el año 1885, y al mismo tiempo asistirá a las clases nocturnas del Círculo de Bellas Artes de dicha ciudad, y trabará una profunda amistad con artistas valencianos como Sorolla o José Benlliure, esté último de gran influencia en Mariano Barbasan, véase por ejemplo "el aquelarre".

En 1887 su hermano es destinado a Madrid, y tras la capital sería destinado a Toledo, a ambas partes le acompañará Mariano, quien pintará una serie de cuadros costumbristas realizados con pincelada pequeña, suelta y luminosa (Pincelada Preciosista).

Ese mismo año, 1887, Mariano Barbasan gana la beca de la Diputación provincial de Zaragoza con el cuadro "Joseph hijo de Jacob" consiguiendo la anhelada pensión en Roma.

Ya en Roma, Barbasan ingresa en el taller de Agustín Salinas y no tarda en entablar amistad con otros artistas de la colonia española, en especial con sus paisanos Francisco Pradilla, Hermenegildo Esteban y Joaquín Pallares.

En 1890, nuestro artista se traslada a vivir a Villa del Tívoli, cerca de la ciudad eterna, allí pintará cuadros de temática realista y los lugareños serán sus modelos.

Un año más tarde traslada su estudio a roma, en Via Flamini 114.

En 1891 pinta el cuadro titulado “Don Pedro III el Grande en el collado de las Panizas”

Como trabajo obligatorio para la Diputación de Zaragoza, de la cual mariano recibe 2500 pesetas anuales.

“Don Pedro III el Grande en el collado de las Panizas” supondrá 100 pesetas más como ayuda para su siguiente cuadro sobre la historia de Zaragoza para la Diputación, pero Mariano Barbasan solo les enviará un boceto, pues los encargos de coleccionistas así como de sus marchantes, no le dejan tiempo para cumplir con sus obligaciones con la Diputación.

En Roma, Mariano Barbasan contrae matrimonio con la bella italiana Rosa Lucaferri, la cual le influye en la temática de sus pinturas, que serán a partir de entonces de tema costumbrista italiano, especialmente en “Il paese Saracinesco” de donde Rosa es originaria, y donde la pareja pasará largas temporadas

En 1893, expone en el Palacio de Cristal de Munich.

Sus marchantes adquieren tal cantidad de sus obras que Mariano casi no tiene tiempo ni cuadros suficientes para exposiciones, salvo alguna que de vez en cuando hace en la sala Pares de Barcelona.

Ya en 1895, expone en Chile, y en 1898 en Argentina.

En 1912 expone su obra en Montevideo, y tendrá en la capital uruguaya el mismo éxito

que siempre le había acompañado.

Mariano Barbasan Lagueruela, vivirá más de 30 años en la capital de Italia, será allí, en Roma donde nacerán su hijo y su primer nieto, pero a sus 57 años, a causa de la primera guerra mundial y con los primeros síntomas de arteriosclerosis, regresa definitivamente a Zaragoza, donde es recibido con gran cariño y admiración.

En 1921 es nombrado académico de honor, y en 1923 académico de número.

Barbasan realiza en sus últimos años numerosos viajes por España, y expone su obra por última vez en el Centro Mercantil de Zaragoza.

El 22 de julio de 1924 fallece Mariano Barbasan Lagueruela en Zaragoza.

La pintora Argentina Ferri acabará algunos de sus cuadros inconclusos por mediación de Mariano Barbasan Lucaferri, hijo del pintor.

La calidad del color en Barbasan es tal, que se le ha relacionado con los macchaioli florentinos, los impresionistas franceses y por otra parte con artistas de la talla de Marià Fortuny.

“Yo pinto para mí, para satisfacer anhelos hondos de mí espíritu”

Mariano Barbasan.

Kraustex.

Gonçal López Rancaño

2008-05-14T09:49:00.000-07:00

Gonçal López Rancaño

Es un placer y un honor para mí presentar aquí la obra de un artista de mí ciudad, Gonçal López Rancaño.

Esta exposición homenaje a Gonçal López Rancaño se la debemos al esfuerzo realizado por el ayuntamiento de Gandia, así como al de coleccionistas y familiares del artista.

Mí agradecimiento al concejal de cultura Toni Durà por la oportunidad de publicar el catálogo en este blog, de manera que se pueda dar a conocer el arte de Gonçal López Rancaño a cuantos más aficionados al arte sea posible.

Y agradecer también el magnífico texto de Vicent Pellicer i Rocher.

Kraustex.

Marina - oli sobre llenç 54x41cm
Col-lecció - Luisa Roche Valls

Jordi Longarón.

2008-02-13T09:42:00.000-08:00

Carátula de la película “Delirium” de Antonio Navarro.

Jordi Longarón nació en Barcelona en 1933.

Quizá el mejor ilustrador español de los últimos cincuenta años después de José Segrelles, al menos para mí.

Longarón realizo magistrales ilustraciones de toda temática para portadas de libros, comics, trabajando para importantes publicaciones en EE.UU. y Europa.

También fue uno de los mejores dibujantes de comics, siendo contratado por el “Chicago Tribune” en 1970 para realizar las tiras de 'Friday Foster', historieta que trataba sobre una joven fotógrafa, tan exitosa fue la serie

de tiras que fue adaptada para la gran pantalla en 1975.

Jordi Longarón también fue un pintor de galería con éxito, pintando paisajes de Cataluña, bodegones, figura y pinturas del Sudoeste Americano.

Kraustex.

Mucho más sobre Longarón en estas maravillosas páginas:

http://bricabrac.perso.cegetel.net/longaron.html

http://deskartesmil.blogspot.com/2007/09/jordi-longaron.html

http://navarrobadia.blogspot.com/2007/10/hazaas-belicas-novela-grafica.html

http://mundobocado.blogspot.com/2008/01/el-salvaje-oeste-de-longaron.html

LA CASA MUSEO DEL PINTOR JOSÉ SEGRELLES. ALBAIDA.

2008-01-18T16:01:00.000-08:00

Museo Segrelles.

El Quijote

Pintor submarino (se trata del famoso Andrew Loomis)

Genio de Aladino

Fondo submarino, Pulpo

Estocada Toledana

Envidia

Pereza

la inquisición

lujuria
Con Xavi Albert, director del museo.

Quiero agradecer a Xavi Albert Guerola director del museo Segrelles su colaboración con este Blog, gracias Xavi por las maravillosas e inéditas imágenes de las pinturas del genial Artista de Albaida.

Y mí agradecimiento también a J.J. Soler Navarro cuyos magníficos textos dan un apoyo inestimable a esas ilustraciones de Segrelles que a partir de ahora y gracias a la magia de Internet, podrán gozar los amantes de la obra del gran pintor – ilustrador y todos los aficionados al Arte en todo el planeta.

Espero poder contribuir desde aquí a la mayor difusión posible de la grandeza de uno de los más insignes artistas valencianos y universales como era, es y será José Segrelles Albert.

Kraustex.

MUSEO SEGRELLES:

http://www.ctv.es/USERS/f.tormo/

LA CASA MUSEO DEL PINTOR JOSE SEGRELLES ALBAIDA.

2008-01-18T14:33:00.000-08:00

Fachada del Museo Segrelles

Oración del huerto

Don Quijote en su biblioteca.

Marcianos

Gula

Apunte del espíritu de la montaña y el océano

Berenice

Aniel

Atropeyo

sobervia

Reedbook

Cristo de espaldas

LA CASA MUSEO DEL PINTOR JOSE SEGRELLES. ALBAIDA.

"...Tinc una casa tan bonica i la vullc tant que no m´apeteix eixir massa. Surt poc, però estic en continua activitat.
El metge, m´ha aconsellat que no treballe massa, que´m distraga, però estic tan acostumbrat a treballar, que tot el que no siga pintar, en pareix una perduda inútil de temps..." J. SEGRELLES.

Situación Geográfica.- ALBAIDA tiene un acceso fluido y ameno, como el resto del Valle que lleva su nombre y peculiar comarca con treinta y cuatro poblaciones, alegres, festivas, rebosantes de costumbres y hermoso sabor local. A 80 km. de Valencia; 27 km. de Xàtiva, y 34 km. de Gandia, en la actualidad, Albaida irrumpe en el mercado nacional, con su pujante industria textil, conservando de manera artesanal, la larga tradición en la fabricación de cirios y velas decoradas a mano.
Entre sus estrechas y empinadas calles, sigue conservando vestigios de origen musulmán, entre los que cabe destacar, las dos puertas que daban a la ciudad amurallada, o el castillo, enclavado en lo que es la Plaza Mayor de la ciudad. Su construcción data de la dominación musulmana, estando compuesto por tres torres, con amplias dependencias y un gran jardín. Al ser habilitado como residencia para los Condes y posteriormente, Marqueses de Albaida, sus estancias, fueron decoradas con figuras y grecas al estilo churrigueresco.
Sobre lo que fue Mezquita durante los cinco siglos de ocupación musulmana, se encuentra hoy, la Iglesia Arciprestal, iniciada su construcción en el siglo XVI, de cuyo gótico renacentista perteneciente al tercer periodo, sólo se conservan las herraduras de las bóvedas, debido a reformas hechas en el siglo XVII adoptando una línea neoclásica.
El recinto compuesto por una nave central, con capillas adosadas y una capilla mayor dedicada a la devoción de la Virgen del Remedio, Patrona de la Ciudad, resulta interesante entre otras cosas, el retablo del Altar, restauración del primitivo, que había sido construido en 1644, por el escultor Pere Boix. Así como por los catorce lunetos de grandes proporciones, todas ellas, del pintor José Segrelles. También es necesario mencionar el tesoro parroquial, celosamente conservando, y que contiene piezas tan valiosas como la Vera Creu relicario del s XV. Junto a la Iglesia, aguarda esbelta y altiva, la Casa Museo del Pintor José‚ Segrelles
Después de muchos años dibujándola, decorándola, planeándola y por costumbre, esbozándola sobre papel, por fin en julio de 1943, abría su Casa Museo al público. Aquellos, no eran unos planos convencionalmente arquitectónicos, y es posible que no todos los detalles que él dibujaba fueran realizables, pero se trataba al fin y al cabo de su Casa. Una de las anécdotas que se cuentan del transcurso de la construcción, eran precisamente los disgustos y riñas ocurridas entre el artista y los albañiles. Segrelles decía: ¡"...hi ha que tombar eixa pared! y ellos replicaban, ¡Però si la vam fer ahir...!

escalera

Han pasado algo más de cincuenta años, desde que sus puertas se abrieron al público, cinco décadas pasando miles de millares de visitantes, la mayoría llamados por la curiosidad de conocer directamente la obra y la casa de un pintor e ilustrador de fama universal. Pero para muchas personas, visitar la Casa Museo del Pintor Segrelles, es una cita regularmente obligada, es la necesidad creada, de beber en su forma de hacer, en su técnica pictórica, en la manera de crear mediante una portentosa imaginación.

museo Segrelles

Es necesario insistir, que la casa con la obra, forman la más perfecta simbiosis del arte y hombre. Un lugar, donde encontramos la colección antológica más importante de su obra, enmarcada dentro de su propio contesto. Toda la Casa sigue cincuenta años después, viva, impregnada del "modus vivendis" del personaje que la habitó. Pero en algunas estancias, su espíritu se ha mantenido tan perenne, que con un mínimo ejercicio de concentración, podemos incluso palpar la presencia del artista.
En definitiva, la Casa Museo del Pintor Segrelles en Albaida, se conserva exactamente igual que como la tenía Segrelles en marzo de 1969 cuando murió. El tiempo se detuvo a las 18´00 horas del tres de aquel mes, para que generación tras generación podamos observar, "vivir" el legado artístico que nos dejó. Más de ciento cincuenta obras, aguardan silenciosas, las miradas, análisis y reflexiones de quienes las contemplamos.
José Gabriel Segrelles Albert, nació en Albaida en el año 1885; durante tres años, estudió en la Escuela de Artesanos y en la Academia de BB.AA. de San Carlos de Valencia, licenciándose en la Escuela de la Lonja de Barcelona. En la ciudad Condal, estuvo durante treinta y tres años, dibujando e ilustrando para las editoriales de más tirada. Durante los cuatro años siguientes estuvo en Nueva York, ilustrando para diferentes rotativos, pero sobre todo, confeccionando carteles para las casas de automóviles Ford, Packard y Lincoln. Con cincuenta años, regresó a su ciudad natal, debido a su conocida nostalgia y sentimentalismo, según se desprende de sus cartas y anotaciones a modo de diario. Así es, como en el año 1940, decidió fijar su residencia definitiva en Albaida y construir su CASA MUSEO, que vería concluida para poder ser habitada y ser visitada a partir del mes de julio de 1943.

interior del museo

Segrelles quería una casa alegre, con muchas comunicaciones por todos los lados; un poco laberinto, ideal para que diez niños, pudieran jugar al escondite. Pensaba con unas habitaciones con diferentes niveles, un escalón más alto, dos escalones más bajos; y también estaba encaprichado con las escaleras. Lo primero que se habilitó, fue el estudio y en él, junto a los lienzos aún en blanco, que años más tarde compartirían altares con la pintura de Ribalta y Juan de Juanes, un viejo reloj de pared, quedó mudo, sin manecillas con las que marcar las horas, viendo como un hombre de baja estatura, iba apilando bellos objetos, junto a una fotografía en blanco y negro, y un calendario tan inerte, como el reloj de encima del mueble con muchos cajoncitos, junto a una silla de brazos, tan antigua, como antigua se ve la tela de su tapizado. En aquellos lienzos, empezaban a aparecer estampas religiosas y las paredes, iban impregnándose del olor tan característico de la pintura al oleo.
La fachada de la Casa Museo, sirve como perfecto prólogo de lo que en su interior vamos a encontrar. Nada más entrar, descubrimos inmediatamente la original arquitectura de la Casa. Un gran arco, con dos hermanos más pequeños, los tres claros con los pies de marmol negro; y al fondo del derecho y el izquierdo, dos puertas quedan en penumbra.
Los cuadros aquí expuestos, corresponden a los últimos años de su vida. Telas religiosas y siderales, debiendo señalar el hecho, de que aunque Segrelles había ilustrado las vidas de San Francisco de Asís, San José de Calasanz y la de San Vicente Ferrer, al hablar de la su etapa religiosa, nos referimos a los lienzos destinados a las Iglesias que quedaron debastadas tras la Guerra Civil Española, como la de Santa María de Ontinyent; la de Agullent, Alcoi, Algemesí, Barcelona, Bocairent, Cadiz, Carcaixent, Cocentaina, Enguera, Font de la Figuera, Gandia, Porta-Coeli, y naturalmente, Albaida.

En aquella época, Segrelles, se dejaba llevar en principio, por los encargos directos de los sacerdotes, quienes, le "describían" al artista aquello que querían que apareciese en la obra. Respecto a la etapa sideral, no nos cabe ninguna duda, que es el tipo de pintura más personal de todo cuanto ha pintado. Durante los primeros años treinta, aprovechando su estancia en Nueva York, visitó en diversas ocasiones, el observatorio de Yerkes, donde vio y retuvo en su memoria, la majestuosa Luna, hasta plasmarla con todo su colorido de platas y esmeraldas. Tras esta, fueron muchas más las lunas que pintó, pero curiosamente y tanto que sus cráteres son accidentales, Segrelles encontró nuevas formas lunares mirando con cristal de aumento, trozos de pan muy seco, gotas de cera acumuladas y fragmentos de madera carcomida. La Luna le hacía sentir más profundo, ese placer de viajar por el espacio interplanetario. En ella encontraba, como si del espejo de su propia vida se tratara, silencio, tristeza, ausencia de vida... Títulos como "Eclipse de Sol", "En Phobos", En Deimos", "Magniciencia marciana", "Negros Igneos solares", "Vegetaciones espaciales", "Eclipse de Sol en Selene", nos muestran sobradamente la rica fantasía de este pintor.

yerki

Subimos las escaleras del arco más grande y allí en la Sala que se conoce con el nombre de Sala Museo, suena el piano de vez en cuando, y los bustos tanto de Beethoven, como el de Segrelles, escuchan, sienten y lloran. y sus lágrimas secas, se graban con el polvo del tiempo. Recuerdan melancólicamente, tardes en las que el silencio daba paso a la euforia del músico, cuando en la cima de su éxtasis y mediante las manos de Segrelles, creaba, ¡CREABA! y no sobre papel pautado, sino sobre cartones de acuarela. Eso es, la maestría del pintor, unida con la genialidad del Soberbio Sordo de Bonn. Aplausos de la gente, aclamando de admiración; las mismas personas que en esta sala, asistieron tanto a conferencias como a los recitales de esplendidos virtuosos...

El sublime sordo de Bhon

Decorando ésta, encontramos algunos de los cuadros que hemos mencionado anteriormente, pertenecientes a la etapa sideral. A lo largo de toda la pared derecha mirando al escenario, una vitrina empotrada, en la que encontramos algunas de las mejores acuarelas que Segrelles a realizado. "La Barca Sagrada" del cuento japonés Momo. "La Torre de Cráneos" de la novela de Blasco Ibáñez, "Los Muertos mandan". "El Bote de vidrio" de la serie "Pesadilla", en la cual observamos, como una especie de monstruos se llevan a su hermana a trozos, con la cabeza dentro del bote de vidrio, revolviendo cajones y llevándose los zapatos. Junto a estas: "El Purgatorio" y "La Metamorfosis de Aniel" de la Divina Comedia de Dante, con las cuales, obtuvo la Medalla de Oro en la Exposición Universal de Barcelona en el año 1929. Para terminar con la acuarela "Berenice" de Edgar Allan Poe, esplendido resultado ilustrativo de uno de los autores más difíciles de interpretar plásticamente.
"La Puerta del Silencio" ennoblece el lienzo inacabado de la Virgen del Remedio, patrona de la ciudad de Albaida. Talla valorada por su antigüedad, así como por el fervor con el que los ciudadanos de estas tierras, a ella se aclaman, la cual, muy astutamente pudo salvar Segrelles, de las destructoras llamas de la Guerra Civil, al solicitar encarecidamente, que se la dejaran pintar por última vez.
Completando todo aquello que hemos visto en esta Sala, además de otro crucificado, y los bocetos al pastel de algunos de los lienzos que forman el Retablo del Altar Mayor de la vecina Iglesia Arciprestal, encontramos algunas de las ilustraciones de las novelas "Flor de Mayo", "La Catedral", "El Intruso" y "Los Muertos mandan", obras todas ellas del universal V. Blasco Ibañez. José Segrelles, auténtico maestro a la hora de idealizar, captó como nadie, el amplio repertorio de tipos humanos que Blasco Ibáñez, refleja en sus novelas.
De la misma manera, que años después, para ilustrar el Quijote, se trasladó al Toboso, esbozando iglesias, molinos, alfarería, caballerías, callejuelas y algún tipo manchego; o cuando tuvo que ilustrar la vida de San José de Calasanz, revolvió todo el noviciado de Mollá, e incluso se hospedó durante cuatro meses en una de las celdas, para según él, sentirse más calasancio, en aquel internado silencioso, tranquilo, envuelto del ambiente profusamente adecuado, tomando apuntes de todos aquellos frailes jóvenes y mayores; igualmente decíamos, que para ilustrar las novelas de Blasco Ibáñez, se trasladó allá donde estas estaban situadas, para observar los hombres y las mujeres del lugar, en su ambiente, estudiando sus vidas a través de sus rostros, las arrugas de cada labio, las ganas de reír, la forma de hablar, e incluso la forma de mirar. Por ello, cuando miramos las obras aquí expuestas casi podemos leer:
"Toda la pillería del Cabañal, estaba allí, ronca, desgreñada, increpando a los padrinos con chillona canturía... Almendras, confites... El Señor Mariano sonreía omnipotente desde la cubierta. Iban a ver lo que era bueno..."
Pero además, Segrelles, ante lo humano, como mago que era de la acuarela, pintó no sólo el cuerpo humano, sino también su espíritu y aunque las figuras dibujadas, estén de espaldas, puede palparse igualmente, su estado de ánimos. Como prueba de lo referido, puede contemplarse entre otras, la obra titulada "La Inquisición" en la que se observa a los inquisidores asomados a la barandilla del claustro, presenciando impávidos, el fuego que consume las víctimas, mientras en sus manos, desgranan un rosario.
"Nunca mayor altivez, indiferencia y soberbia ante el dolor; nunca mayor convencimiento que se está obrando rectamente, porque se rumorea una plegaria..."
La luz diurna, baja en busca de la tranquila oscuridad, peldaño tras peldaño; y por ellos se sube a la Sala que por más simple, es la más hermosa. Sencilla y humilde estancia, domina una arcada con el nombre de Rosa; ventanal que impide pasar el viento del valle, permitiendo entrar la luz blanca, reflejo del Mediterráneo. Una flor con sus espinas, despereza sus pétalos, sobre la mesa vestida con terciopelo tostado por el Sol. Se les adivina allí, él con los ojos azules, muy claros, con el cabello canoso asomándose por debajo de la gorra, con un batín corto, sobre una camisa de estampación moderna, leyendo algún libro. A ella, con su perfil de muchacha, con las lentes caladas, discreta, buena, recatada, cosiendo junto al ventanal, con el cestillo de la labor, encima de esa mesa.
Aquí, volvemos a encontrarnos con más ilustraciones de las novelas de Blasco Ibáñez y junto a ellas, un carboncillo que desborda simpatía. Retrató del día que atropellaron a su perro, que por cierto no murió, ya que tal y como refleja el mismo dibujo, junto al animal, está el veterinario, el vecindario que allí acudió y el coche que lo había atropellado, alejándose del lugar del accidente.
Entre otras, también se conservan, los retratos de su madre y su hermana en el día de San Blas y un autorretrato con veinticinco años. Ambos estuvieron en la primera exposición que hizo Segrelles en el año 1.910 en Barcelona.
A continuación del Arco Rosa, está la Salita Árabe diseñada para exponer algunas de las ilustraciones de las Mil y una Noches como son: el interior de la Cueva de Ali baba y los Cuarenta Ladrones, los Moros del Cuento de Juder el Pescador, las Joyas de Aladino, entre otras
Según iba leyendo, tomaba apuntes de párrafos, frases, o únicamente palabras sueltas que le inspiraban alguna cosa. Releía una y otra vez la misma historia, y en cada ocasión, recopilaba más detalles. De ahí, sacaba cientos de pequeños esbozos, en distintas posturas de cuerpos animales o inertes. Con la selección de todo ello, se sentaba en el pupitre y con cartones de pequeño formato, empezaba a dar vida a sus aguadas, sobre un dibujo más acabado. Bandejas de oro macizas, llenas de piedras preciosas. Cuarenta negros fornidos y bien formados y cuarenta blancas, jóvenes hermosas y bien ataviadas, sirviendo de comitiva de destino a Palacios como el nupcial de Aladino y la Princesa Budir Al-Budur; con paredes de alternados sillares de oro y plata, con ventanas, con celosías cuajadas de diamantes, rubies y esmeraldas, decorados interiormente con materiales como el pórfido, el jaspe, el ágata, el lapislázuli y toda clase de mármoles de finísimo grano... Miles de detalles, algunos descritos en los libros, otros, hallados en sus propios sueños.
A Segrelles, siempre le despertaron curiosidad, los viejos moros, con aire de profetas. Lo árabe, le atrajo tal vez, porque era muy valenciano y nosotros lo llevamos metido en la sangre. Sentía, según dijo más de una vez, no haber podido conocer los pueblos africanos; y las botellas de cerámica, los taburetes de mezquita, los joyeros, el rabat, el simple violín de dos cuerdas, todo objeto, o mueble árabe, le gustaban; así como sus costumbres, de entre las que destacaba los cinco rezos diarios entre el amanecer y el atardecer.

sala arabe

Antes de dejar la Salita, podemos viajar por el interior del Cuerpo Humano, a través de una colección de acuarelas que describen con una fantástica veracidad, la anatomía interna. Desde el exterior e interior del corazón, la superficie pulmonar, los componentes de la sangre, hasta las papilas de la lengua.

superficie del pulmón

Válvulas del corazón

De camino a su Estudio, como si de un oasis se tratara, nos encontramos con una Biblioteca repleta de libros. Cerca de once mil libros y más de cinco mil cómics, nos invitan a leer. En ella, la presencia de lo literario, como es lógico, se hace palpable y nos recuerda la importancia que para el Segrelles ilustrador, tenía el poder recogerse en un lugar de perpetuo homenaje a quienes con sus historias escritas, enriquecen la sabiduría, desarrollan la inteligencia y distraen el ocio de cuantos amamos la lectura. La Biblioteca, es desde su fundación y aún hoy pública. Y aquí asisten diariamente, lectores de todas las edades. Segrelles quiso ya en 1.943, brindar facilidades para que la gente leyera y nuestro gusto y casi obligación, es mantenerla abierta, promoviendo cada vez más su uso.

biblioteca de Segrelles

Después de tan caprichosas escaleras, llegamos al Estudio donde la intimidad con la obra del artista, se consigue absolutamente. Nos llama sobre todo la atención, su altura, su ancho y su largo; su luz uniforme tanto para la mañana, como para la tarde. Sus grandes ventanales, principales focos luminosos de la sala, y frente a estos, las ventanitas, con unas cortinitas, que más que impedir ver, al igual que otras puertas grandes o pequeñas y curiosos balcones dentro del mismo estudio, nos inducen a adivinar que más podríamos descubrir en esta Casa, concebida con tanto tiempo, como el que falta nos haría a nosotros para conocerla.
Los cuadros expuestos en el Estudio, los mismos y en idéntico lugar y posición como él los guardaba, encontramos junto a los retratos más estimados: el de su mujer Rosita; el de su amigo Pascual Capuz; el de la modelo de Nueva York, Miss Cummings; el de su hija Conchita; varios autorretratos; los nuevos trabajos, es decir, esas obras que no pudo acabar: la Creación de la IXª Sinfonía de Beethoven, al óleo; y entre numerosos bocetos, sobresaliendo de los demás, el Pentecostés, cumbre máxima de sus temas místicos.
Y mirándolo, quedamos absortos, queriendo pensar en el tres de marzo de 1.969, casi de noche, a las seis de la tarde. Antes de volver a acariciar el lienzo, se sentaría en el sillón, junto a la chimenea. No le daba importancia, pero por la edad, su corazón debía latir fatigadamente. Mirando este mismo cuadro, le envolvería una melancolía, haciéndole saber, que no lo iba a terminar. Sus manos y su fuerza de voluntad le pedirían "pintura". Se llegaría a levantar, dar dos, tres, o quizás algún paso más, pero antes de llegar a la inmensa tela, el peso de la muerte, lo desplomó sobre el piso de madera.
En su Estudio, quedaron para siempre, los pinceles, a los que había estado unido más de ocho décadas y en su cerebro, se llevó todo lo que en ésta, su Casa Museo, de una u otra forma no pudo hacer realidad.

Estudio taller de Segrelles

Posiblemente, aunque la ilustración es pintura, nunca se le ha dedicado un capítulo específico en la Historia de la Pintura. Y aquí estaría el caso de José Segrelles, que como tantos otros ilustradores que se negaron sistemáticamente a seguir los movimientos pictóricos de la época que vivieron, y aún más, renunciaron a formar parte de los indiscriminados cambios vanguardistas, auto declarándose disidente

J.J. Soler Navarro.

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LA CASA MUSEO DEL PINTOR JOSÉ SEGRELLES DE ALBAIDA.

2008-01-18T13:43:00.000-08:00

Fauno

Asesinato de Gabriel Luna

Don Quijote

jefe arabe

juicio final

Colon atemoriza a los Indios con un eclipse

el cafeti

mineros

riña de pescaderas

contrabandistas

bautismo de la barca

arrojando monedas

la pedida

el quinteto y las sillas

el tío ventolera

Judas

la gitaneta

la inacabada

virgen de la esperanza

pentecostes

LA CASA MUSEO DEL PINTOR JOSÉ SEGRELLES DE ALBAIDA.

Cumplidos más de sesenta años desde que el propio José Segrelles decidiera construirla y abrirla al público, la Casa Museo del Pintor e ilustrador José Segrelles en Albaida (Valencia), continúa en excelente estado de conservación, tanto la pinacoteca con más de doscientas obras originales que conforman la exposición permanente del Museo, así como la Casa ideada, pensada y construida desde la atenta y perseverante mirada del propio artista. Magnífico contenedor de tan rico continente, como se describirían según la concepción de los nuevos museos, simbiosis de espiritualidad y adoración por la obra pictórica y arquitectónica de un artista valenciano, un pintor español que fue aclamado por la critica internacional como el mejor ilustrador universal junto a Rackman, Dulac y Doré.

El valenciano José Segrelles (Albaida 1885-1969) es aquel mítico ilustrador que autor de las Mil y Una Noches que veían la luz desde los talleres de Salvat en los años treinta y cincuenta, cuando algunas editoriales regalaban con su esfuerzo para el ávido lector, auténticas filigranas, -sabrosos bombones que diríamos hoy- con esmerada maquetación, con nobles tapas, con las siempre magnificas e inspiradas fantasías cromáticas de José Segrelles.

El mucho más nombrado que leído, Hidalgo Caballero, D. Quijote de la Mancha ha sido imperecederamente ilustrado desde que su controvertido autor lo acabara en los albores del siglo XVII. Sin embargo las ilustraciones de D. Quijote de la Mancha de la mano de José Segrelles y editadas por primera vez por la Espasa Calpe en el año 1966 ha sido reeditado y sigue siendo impreso continuamente para estar perennemente en los fondos de las librerías.-Hagan la prueba, pregunten por la última edición ilustrada por José Segrelles y rechacen imitaciones!!!

Pero entre las muchas historias, miles y millares de personajes que cobraron vida de la entelequia, ensueño y fantasía de la mano de José Segrelles, aún hoy en las librerías de viejo, se encargan y pagan como reliquias las aventuras de capa y espada que protagonizó todo el universo de Zévaco, entre ellos, Los Pardaillan, pero también otras aventuras más próximas, quizás por haber llegado a la gran pantalla cinematográfica como La Mascara de Hierro, o no tan cinéfilas como Montbars el Pirata, Dick Navarro el terror de las Praderas, o Las Alcobas Reales por mencionar algunas de las máximas literaturas leídas a principios del ya caído siglo XX.

Mª Luz Morales, una gran traductora y escritora en la primera mitad del siglo pasado, debía de haber conocido muy bien a José Segrelles, pues cada cual en su arte, trabajaron incansablemente para la mítica y reverenciada Editorial Araluce que tanto triunfó entre los primeros lectores con su apuesta por ofrecer la Literatura Universal adaptada para los niños.

Visitar hoy, como desde hace sesenta años, la Casa Museo en la que vivió José Segrelles y en la que se conserva con el mismo afecto y abnegación como quien se mira y enseña cualquier preciosa antigüedad, es conocer la obra y el entorno que la inspiró. Es palpar las historias y conocer de cerca sus personajes, dejarnos llevar de su mano y adentrarnos en todos aquellos mencionados mundos, pero también en los de Blasco Ibáñez, Edgar Allan Poe, Dante, o en las sinfonías de Beethoven, las Valquirias de Wagner, como ocurre en cada una de las personas que la conocen y quedan enamoradas. Como cautivado quedó Guillermo del Toro con la obra de José Segrelles hasta el punto de darle forma a su último Fauno a partir de una de las ilustraciones de José Segrelles.

J.J. Soler Navarro

MUSEO SEGRELLES:

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Sorolla y la Hispanic Society

2007-12-02T16:17:00.000-08:00

Por fin hemos ido a ver la obra de Sorolla “Visión de España”

Una maravilla, no podía ser menos.

Pero como no puedo evitarlo, voy ha hacer mí análisis, Sorolla se tomó esto como un importante encargo que le daría más fama e importancia para su futuro profesional,

Su primer y más grande cuadro, “Castilla” es el más trabajado, el nivel de las pinturas, sin dejar de ser la obra de un gran pintor, va bajando según avanza su trabajo, se nota que acabó pensando en que aquel encargo había que acabarlo cuanto antes, en el catálogo podemos ver la fecha de inicio y terminación de cada cuadro… ¡¡¡apenas un mes por cuadro!!! Era rapidísimo, como se puede observar viendo su pincelada, los cuadros están realizados a base de aguarraseados rápidos y sin retocar, sin insistir, cuando todo el cuadro estaba coloreado con la pintura aguarrasada, Sorolla daba unos pocos toques maestros más empastados aquí y alla, y en un plisplas cuadro acabado, encargo cumplido, solo un gran artista puede pintar así, es muy difícil pintar con tanta economía.

Fragmentos del magnífico trabajo sobre Castilla.

Pero lo cierto es que podría habérselo currado un poco más, por que hay cuadros que están pobremente resueltos, cielos mal perfilados, manos que parecen muñones, bastante mal hechas, caras sin acabar, y no me refiero a esas caras que tan sabiamente Sorolla pintaba más indefinidas para crear espacio atmosférico, profundidad entre las figuras, como sucede en el cuadro dedicado a Castilla y algunos otros como “La Jota”

o “el encierro” que es una obra maestra por su soltura e impresionismo, pero, por ejemplo, es evidente la dejadez , la desgana con la que el pintor realizó las obras tituladas “Cataluña, el pescado”, “Elche, el palmeral” ó “Los bolos, Guipúzcoa”

Fragmentos de fondos (cielos etc.) poco o nada trabajados, aguasarreados y mal perfilados.

estos son cuadros que dejan mucho que desear para un genio de la pintura como Sorolla, son cuadros que más de un seguidor suyo hubiesen superado en calidad con creces, como por ejemplo José Mongrell, pues estos son cuadros que parecen realizados con la dejadez de un ilustrador que está pensando en acabar pronto para cumplir el plazo y poder cobrar su buen dinerito.

En conclusión me parece en general una gran obra, con toques de genialidad en muchas partes de los cuadros, pero creo firmemente que Sorolla podría haberlo hecho mucho mejor, que estaba capacitado para ello.

Fragmentos de manos mal hechas, no porque no pudiese hacerlo mejor, sino seguramente por prisas, desidia y aburrimiento del trabajo que estaba realizando.

Viendo estas obras, me he dado cuenta de que eso que se cuenta de que este trabajo fue el causante del deterioro de la salud de Joaquín Sorolla, no es más que una leyenda, pues obras más grandes se han hecho que no han acabado con sus respectivos autores, véase por ejemplo la obra de muralistas como José Maria Sert, que se pasaron la vida pintando inmensos y fantásticos murales sin que ello significara el deterioro de su salud. Creo pues, que la enfermedad le vino a Sorolla como suele decirse “por que le tocaba” y no por consecuencia de su trabajo, que viéndolo, se da uno cuenta que es un trabajo que el genial Sorolla se quitó de encima con facilidad y soltura.

Esto de que es un trabajo que le costó la enfermedad, es en mí opinión, parte del marketing que ya empezó el propio Sorolla, por ejemplo diciendo que pintó del natural cuadros pintados de fotografía, llegando incluso a hacerse fotografiar pintando del natural obras pintadas copiando de fotos.*

Kraustex.

Quiero aclarar que a mí me parece muy lícito pintar basándose en fotografías, otra cosa es decir que se pinta del natural y no sea verdad, aunque bueno, cada uno se vende y vende su obra como puede.

No quiero terminar sin recomendar el magnífico catalogo de la exposición, donde se podrá apreciar mejor lo aquí dicho por mí, y sobre todo recomendar que vean la exposición, merece la pena.

Vicente López y Portaña.- El gran olvidado.

2007-10-26T09:33:00.001-07:00

Aquí podemos ver unos dibujos de V López, unas academias realizadas con trazos sueltos y rápidos

unas tintas, que serían dignas de los mejores dibujantes del siglo XX, como Noel Sickles, con

una economía de trazos que harían palidecer a los impresionistas.

Y como no, unos dibujos hechos de tal manera que parece que tengan volumen, que se puedan palpar.

En estas dos pinturas, podemos observar una pincelada de una espontaneidad y soltura al alcance de muy pocos,

también es de destacar que, como podemos ver, Vicente López era un maestro del color y la composición.

Aquí, como no, se aprecia perfectamente la influencia de Mengs.

No podemos olvidarnos tampoco de la habilidad de nuestro artista a la hora de reflejar

el carácter y sentimientos de las personas retratadas.

Por último, repetir lo ya dicho, este gran artista olvidado por los españoles (no por todos) fue uno de los más grandes retratistas de la historia de la pintura, para mi gusto superior a los tan famosos Ingres, David etc.

que no siendo tan buenos como López, tuvieron la suerte de nacer franceses y no españoles.

Dedico este trabajo a mí maestro y gran amigo, Francisco Mascaros.
Kraustex.

Las lentes y la pintura.

2007-10-24T11:12:00.000-07:00

A partir de los hermanos Van Eyck más o menos, la pintura se convirtió casi de golpe en más realista, más fotográfica, fotográfica sería la palabra justa.

Ese realismo era debido al uso de lentes que proyectaban las imágenes sobre la superficie a pintar.

Muchos pintores pintaban los cuerpos por separado de las cabezas, y eso les llevaba a cometer errores garrafales que hoy día serian motivo de mala nota para cualquier estudiante de bellas artes.

El uso de las lentes fue desapareciendo con la aparición de la fotografía, gracias a la cual todos tenemos una visión más fotográfica de las cosas, con lo que ya no nos hacen falta las lentes y proyectores usados antaño. Aunque los hiperrealistas americanos volvieron a poner en práctica el uso de los proyectores al estilo de los usados por pintores como Vermeer, por cierto Vermeer hizo un uso muy cabal del proyector de imágenes, (caja negra).

Veamos a continuación como Roger Van Der Weyden, al pintar las cabezas con lentes por separado del cuerpo, cometía el error de pintar las cabezas desproporcionadas en relación al cuerpo.

Y veamos otro ejemplo de desproporción a causa del uso de lentes proyectoras de imágenes, en este caso, Diego Velázquez comete la barbaridad de pintar al retratado con una gran desproporción entre la cabeza y el cuerpo, el retratado mide casi diez cabezas, cuando debería de medir no mucho más de siete como máximo.

Una consecuencia del uso de espejos para dibujar es el retrato de personajes zurdos, así podemos ver en gran cantidad de pinturas a los personajes tomando la copa o el vaso con la mano izquierda, y no es que pintores como Caravaggio pintasen bebedores zurdos, es que usaban lentes para dibujar, y esas lentes actuaban como los espejos que reflejan las cosas del revés.

Sobre estos temas podrán encontrar mucha información en el libro de David Hockney, “El conocimiento secreto” un libro muy recomendable.

Una cosa más, un día, viendo en unos cristales lo que en ellos se reflejaba, me di cuenta de que la imagen se veía más nítida si detrás del cristal hay algo de color oscuro, por ejemplo, si tras el cristal hay una pared de color marrón oscuro, las imágenes que en él se reflejen serán muy nítidas, si por el contrario tras el cristal hay una pared blanca, las imágenes reflejadas apenas se verán reflejadas, con esto pude deducir que la razón por la que antiguamente se pintaba sobre lienzos y tablas imprimadas en color marrón oscuro era por que de esa manera las imágenes vistas a través de una lente se veían perfectamente nítidas, por el contrario

sobre un lienzo imprimado en color blanco las imágenes no se pueden apreciar bien.

Para demostrar esto último que estoy diciendo, hice una prueba con una lente igual a la que usaba Ingres según Hockney, y efectivamente, sobre un fondo marrón

la imagen se reflejaba a la perfección y sobre una superficie blanca a duras penas se podía ver.

Quiero aclarar que todo esto que he dicho aquí no es una recriminación a los artistas que usaban artilugios para dibujar si no mejor, más rápido.
Todo lo contrario, el descubrimiento y uso de todo tipo de lentes para dibujar demuestra la inteligencia e ingenio de los que eran poseedores aquellos artistas.
Ni yo ni muchos pintores podríamos ser ni la mitad de buenos artistas que fueron
Velázquez, Caravaggio o Vermeer.
Kraustex

Winslow Homer.

2007-09-20T20:36:00.000-07:00

Winslow Homer, nació el 24 de febrero de 1836 en Boston, Massachussets, a los 19 años trabajó como aprendiz de litógrafo, este hecho propició que dos años más tarde, en 1857, Homer iniciara su carrera como ilustrador, realizando trabajos para revistas como Ballou’s Pictorical y Harper’s Weekly.

En 1859 comienza su brillante carrera de pintor en New York, ciudad en la que se había instalado, abriendo allí su taller de pintura.

Durante la guerra civil americana, Winslow Homer es enviado a las primeras líneas de batalla por Harper, para captar con sus lápices tanto las escenas de batallas como las

cotidianas de la vida diaria de los soldados y oficiales.

Incomprensiblemente, los dibujos que Homer realizó en la guerra no tuvieron la repercusión que se hubiera esperado, pero a nuestro artista le sirvieron de documentación para más tarde realizar unos esplendidos y realistas cuadros sobre la guerra civil americana. (Sobra decir que hoy día los dibujos de guerra de Homer sí gozan del reconocimiento del que son merecedores.)

En 1867 se traslada a vivir a París, allí viviría durante un año, dedicándose a pintar paisajes, pero sin dejar de trabajar para Harper.

Hay que decir que W Homer permaneció fuera de la influencia de los impresionistas.

Por aquel entonces Winslow Homer era miembro del club de artistas “The Tile Club” en el cual era conocido con el apodo de “The Obtuse Bard” (el bardo obtuso) a este club pertenecían también el escultor Augustus Saint Gaudens y los pintores William Merrit Chase y Arthur Quartley.

En 1873 Winslow Homer comenzó a realizar sus acuarelas, las cuales fueron una auténtica revolución dentro del mundo de los acuarelistas por la soltura y espontaneidad únicas en las que estaban ejecutadas.

En 1875 Homer deja su trabajo de ilustrador para dedicarse de lleno a la pintura, para lo cual no cesaría de viajar.

Los años 1881 y 1882, los pasó en un pueblo de pescadores en el noroeste de Inglaterra, Cullercoats.

En Cullercoats, pintaría sus famosos cuadros de mujeres pescadoras, en los que ensalzaba a la mujer trabajadora y heroína de la dura vida de la costa pesquera.

La última etapa de su vida la pasó en los Estados Unidos, en Prouts Neck, en el pueblo de Scarborogh, Maine, donde pintaría memorables cuadros dedicados a la vida de los pescadores y el mar.

Pero dada la crudeza del invierno en Prouts Neck, Homer pasaría algunos inviernos en

Florida, Cuba, y las Bahamas, donde realizó innumerables acuarelas de una fuerza expresiva y una soltura únicas hasta la fecha y que serian clara inspiración en artistas como F Remington, Sargent o A Wyeth, entre otros muchos, pues se puede considerar a Winslow Homer como el padre de la acuarela moderna, dado el vuelco que le dio a la manera de trabajar dicho medio.

Winslow Homer, falleció el 29 de septiembre de 1910 en Prouts Neck.

Kraustex.

George de Forest Brush.

2007-09-11T16:58:00.000-07:00

George de Forest Brush, pintor e ilustrador americano nacido en Danbury, Connecticut, el año 1855.

Estudió en la Academia Nacional de Diseño en Nueva York entre los años 1870 – 1874 y en L’Ecole des Beaux-Arts en París de 1874 a 1880.

En París tuvo como profesor al famosísimo pintor francés Jean-Léon Gérôme, el cual le influyó en su manera de pintar y su amor por el renacimiento italiano.

A su regreso a los Estados Unidos, Forest Brush decidió convivir con los nativos americanos, por lo que se trasladó a Wyoming, donde estuvo viviendo con los indios

Arapahoe e indios Shoshone. También vivió en Montana durante varios años, pintando a los Indios Crow.

La convivencia con los indios llevó a George de Forest Brush a pintar a los indios de una manera totalmente diferente de cómo lo hicieron artistas como CH M Russell o F Rémington, tratando a los indios como realmente merecían, exaltando su personalidad, su grandeza como seres humanos, pintándolos con un estilo más romántico, lejano de las escenas violentas que pintaban sus colegas.

Esta manera de pintar a los indios americanos fue sin duda una gran influencia para un artista de vital importancia en la historia del arte americano: N C Wyeth.

Los trabajos de George de Forest Brush fueron publicados en las más afamadas revistas de su país a partir de 1881.

En 1897 recibió la medalla de oro por parte de “the Pennsylvania Academy of Fine Arts” y en el año 1900, obtuvo otra medalla de oro en la exposición de París.

En los años 30 fue profesor en “the Art Student League”.

Aparte de sus pinturas de nativos americanos, George de Forest Brush también pintó numerosos retratos en especial de mujeres, que contribuyeron a acrecentar su prestigio.

Falleció en 1941.

Kraustex.

Vasily Ivanovich Surikov

2007-08-27T16:44:00.000-07:00

Vasily Ivanovich Surikov (Василий Иванович Суриков, en ruso) nació el 24 de enero de 1848 en Krasnoyarsk (Siberia), es uno de los pintores rusos más famosos.

Sus obras más destacadas tratan sobre temas históricos relacionados con Rusia.

El artista siberiano Vasily Surikov, nació en el seno de una familia de cosacos, cuyos miembros construyeron la ciudad de Krasnoyarsk, su ciudad natal.
Este ambiente en el que Surikov se crió, contribuyó en gran manera a forjar el carácter fuerte de nuestro pintor.

Surikov empezó a dibujar a edad muy temprana, y ya debió hacerlo con muy buenas cualidades, pues su profesor le apoyó en todo y le consiguió un patrocinador muy rico, (el dueño de unas minas de oro) para que le pagase los estudios de arte que realizó a partir de 1869 en la Academia Imperial de las Artes, bajo la supervisión de Pavel Chistyakov, siendo graduando con honores en 1875.
Fue premiado con un viaje al extranjero con todo pagado por un periodo de dos años por la Academia Imperial de las Artes, pero Surikov no aceptó dicho premio, pidiendo que a cambio se le dejase pintar unos murales sobre la figura de Cristo en la Catedral de Moscú.
Su petición le fue otorgada, y su trabajo tuvo un éxito tal, que el pintor no tardó en convertirse en un hombre de fama y dinero.

En 1878 se casó con Elizabeth Charais, y en 1881 se unió a la asociación de artistas “Peredvizhniki, y en 1893 fue nombrado miembro de la Academia de las artes de San Petersburgo.

Surikov, acostumbrado de pequeño a ver las barbaridades (ejecuciones públicas, etc.) que se cometían en la Rusia de aquel entonces, supo retratar con crudo realismo y fuerte expresividad la época que le tocó vivir, siendo sus pinturas de un gran impacto visual.

Vasily Ivanovich Surikov falleció el 19 de marzo de 1916 y fue enterrado junto a su esposa en el cementerio Vagankovo de Moscú.
Kraustex.

Amos Sewell.

2007-08-18T02:27:00.000-07:00

Amos Sewell.
Amos Sewell nació en San Francisco, (California) en el año 1901.
Trabajaba en un banco de San Francisco, y al tiempo estudiaba por las noches en la escuela de bellas artes de California.
Se trasladó a New York, donde estuvo trabajando como estibador en un barco maderero
con destino a la construcción del canal de Panamá, al mismo tiempo Amos realiza estudios de pintura con profesores de la talla de Guy Pene du Bois, Harvey Dunn y Julian Levi en " la liga de los Estudiantes de letras y la Magnífica Escuela Central de Arte "( “the Art Students' League and the Grand Central School of Art”).
Amos Sewell se especializó en temas rurales, en los que los niños y adolescentes adquirían un papel relevante.
Sus ilustraciones se publicaron en numerosos libros y en afamadas publicaciones como Country Gentleman, Saturday Evening Post, y otras.
Fue también muy importante su trabajo para el gobierno americano, para el cual realizó muchos carteles sobre la Segunda Guerra Mundial.
Una de las principales, sino la principal característica de este prolífico ilustrador es la expresividad con la que dotaba a los personajes que dibujaba, quizá sea esa la razón por la que Amos Sewell haya sido desde siempre uno de mis ilustradores preferidos.
Amos Sewell falleció en Westport, en 1983.
Kraustex.